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De Goya meurt - Histoire

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François José de Goya y Lucientes est décédé. Il était un peintre et graveur espagnol. Ses œuvres les plus connues incluent Maja Nude et Maja Clothed.

Francisco Goya - Biographie et héritage

Francisco de Goya y Lucientes est né à Fuendetodos, en Espagne, dans une famille de la classe moyenne inférieure. Quatrième de six enfants, il a passé la majeure partie de son enfance à Saragosse, une ville voisine d'où était originaire sa famille. Il a fréquenté une école publique locale, où il a rencontré son ami de toujours Martin Zapater. Leurs lettres constituent l'une des rares sources d'informations directes sur les premières années de Goya à Madrid.

À 14 ans, il commence ses études artistiques auprès du peintre José Luzan, qui durent quatre ans. Il a ensuite déménagé à Madrid pour étudier auprès d'Anton Raphael Mengs, un artiste allemand qui a travaillé comme peintre de cour pour la famille royale espagnole. Le temps de Goya avec Mengs a été largement infructueux (on pense que les deux hommes ne s'entendaient pas bien), et ses soumissions à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ont été rejetées en 1763 et 1766.

Période au début

La carrière de Goya a pris forme après son déménagement en Italie vers 1770, bien que les détails sur ses activités là-bas soient obscurs. En 1771, il remporta la deuxième place d'un concours de peinture organisé à Parme avec son Sacrifice à Pan. Il est retourné cette année-là à Saragosse, où il a commencé ses études auprès de Francisco Bayeu, qui est devenu un ami proche. Goya a épousé la sœur de Bayeu, Josefa, avec qui il a eu plusieurs enfants, bien qu'un seul fils, Javier, ait survécu jusqu'à l'âge adulte. Goya a dit un jour que son fils était si beau que les gens dans la rue à Madrid s'arrêtaient pour le regarder et qu'il était un père extrêmement fier. Lorsque son fils est tombé malade, Goya a écrit qu'il "a cessé de vivre pendant toute cette période".

Vers 1774, Goya est chargé de produire une série de cartons pour la fabrique de tapisserie royale de Santa Barbara. Ces peintures représentent des scènes de la vie espagnole contemporaine d'une manière rococo légère et aux tons clairs. Les tapisseries résultantes ont été installées dans deux palais royaux. Goya a tiré parti de cette expérience pour développer ses relations au sein de la cour espagnole. Parallèlement, il commence également à travailler sur un ensemble d'eaux-fortes d'après les peintures de Velázquez de la collection royale. Goya deviendrait un maître de la gravure, qui devint le principal moyen par lequel il exprima ses sentiments les plus personnels sur les événements sociaux et politiques de son époque.

Période de maturité

Goya a commencé sa carrière comme peintre de cour en 1786, sous Charles III. Plus tard, il s'est imposé comme le favori de Charles IV, devenant peintre de la première cour du roi en 1799, la position la plus élevée pour un artiste dans la maison royale. Il servira à ce titre jusqu'à l'invasion napoléonienne de 1808, bien qu'il continue à gagner des commissions du nouveau régime après avoir prêté allégeance aux bonapartistes.

Au plus fort de son affiliation à la cour espagnole, Goya s'est lié d'amitié avec l'influent Premier ministre Manuel de Godoy, qui a commandé d'autres œuvres à l'artiste pour sa collection privée, dont la célèbre Maja nue (vers 1797-1800). Cette peinture a conduit à de nombreuses spéculations sur la véritable identité du modèle, suscitant des rumeurs sur les relations illicites de Godoy avec deux femmes distinctes et son éventuel interrogatoire par l'Inquisition espagnole.

La carrière naissante de Goya fut brièvement interrompue en 1792 lorsqu'une maladie non diagnostiquée le laissa définitivement sourd. Bien qu'il continue à travailler pour la famille royale espagnole, son handicap l'amène à s'éloigner de la vie publique alors qu'il devient de plus en plus aigri et mélancolique. C'est à cette époque que Goya a commencé à travailler sur Los Caprichos, une série de 80 eaux-fortes avec aquatinte qui a été publiée en 1799. Les estampes présentent un acte d'accusation de nombreux aspects de l'Espagne contemporaine.

L'invasion de l'Espagne par Napoléon en 1808 et la guerre d'Espagne qui a suivi (qui a duré jusqu'en 1814) ont donné à Goya de nombreuses occasions d'observer et de critiquer la société. La guerre a inspiré ses peintures Le 2 mai 1808 et Le 3 mai 1808, ainsi que son portfolio de gravures intitulé Les désastres de la guerre. Selon les mots de l'auteur Evan S. Connell, ces œuvres représentent "la floraison prodigieuse de la rage" que Goya a ressentie face à tant de violence et d'horreur.

Période ultérieure

Après la restauration de la monarchie des Bourbons en 1814, Goya se retira complètement de la vie publique, on sait peu de choses sur ses dernières années. Il a déménagé dans une ferme à la périphérie de Madrid, La Quinta del Sordo (La Maison du Sourd), où, en 1821, il a achevé 14 soi-disant Peintures Noires, qui ont été peints directement sur les murs de plâtre de la maison. Goya s'installe à Bordeaux en 1824 pour échapper au régime oppressif et autocratique de Ferdinand VII. L'artiste passa le reste de sa vie en exil en France avec sa femme de chambre et compagne, Leocadia Weiss (son épouse Josefa était décédée en 1812), et sa fille jusqu'à sa mort en 1828.

L'héritage de Francisco Goya

de Goya œuvre représente un mariage unique de tradition et de modernité. En tant que maître ancien, il a honoré les œuvres de ses prédécesseurs comme Velázquez et Rembrandt, travaillant de manière traditionnelle comme le montrent ses nombreux portraits de cour. Dans le même temps, son départ audacieux des conventions artistiques de son époque lui vaut une place parmi les premiers peintres occidentaux modernes. Par exemple, son utilisation de la satire sociale trouve son héritage dans les œuvres de James Ensor, qui a également mis au pilori les masses dupées et les dirigeants corrompus de son époque, tandis que les qualités de choc et d'horreur - vues dans ses œuvres plus sombres ou violentes - trouvent un fil conducteur du souci de l'art contemporain pour l'abject et le psychologiquement perturbé, de Damien Hirst à Paul McCarthy.

L'utilisation par Goya de coups de pinceau larges et visibles a ouvert la voie au style spontané de l'impressionnisme, tout comme le sujet typiquement espagnol de son art. celle d'Édouard Manet Olympie a été influencé par Goya Maja nue, et était tout aussi audacieux, sinon plus audacieux, dans sa réinvention radicale du nu classique en tant que prostituée des temps modernes. Pendant ce temps, sa peinture fragmentaire de L'exécution de l'empereur Maximilien, fait directement référence à celui de Goya Le 3 mai 1808 à la fois dans son expression d'indignation morale et dans sa composition formelle, bien que les sympathies de Manet aient été du côté des bourreaux mexicains, pas de l'empereur assassiné.

L'art politiquement engagé, hautement subjectif et imaginatif de Goya a représenté un pas important vers le modernisme. Dans ses estampes en particulier, Goya a critiqué les événements de son époque, notamment la guerre, la corruption, les maux sociaux et les superstitions enracinées. Cela inspirera plus tard des artistes comme son compatriote Picasso, dont le séminal Guernica a également fait rage contre les injustices contemporaines, en l'occurrence le bombardement fasciste d'un village espagnol pendant la Seconde Guerre mondiale.

L'héritage de grande envergure de Goya s'étend au surréalisme, alors que les artistes se sont penchés sur les gravures de Goya et Peintures Noires pour leur sujet sombre et onirique. Salvador Dalí a créé sa propre version du Caprichos en 1973, et plus récemment, en 2014, l'artiste contemporaine Emily Lombardo a fait de même, réimaginant le Caprichos dans le cadre de la vie du XXI e siècle. L'interprétation surréaliste de Dalí et l'interprétation féministe queer de Lombardo signalent la signification durable, universelle et finalement malléable des estampes de Goya. Les jumeaux britanniques Jake et Dinos Chapman se sont également inspirés de Goya, notamment dans leurs sculptures étrangement grotesques dérivées de Les désastres de la guerre.


1. Louis Wain

Louis Wain était un illustrateur anglais né en 1860 qui est devenu bien connu pour ses illustrations de chats anthropomorphes.

Les chats aux grands yeux, qui sont généralement dans des situations sociales, telles que des jeux ou des rencontres, n'ont pas été créés initialement sur commande. Bien que Wain soit déjà connu du public, il commence à dessiner des chats pour amuser sa femme.

Louis Wain, L'enterrement de vie de garçon, dates inconnues, collection privée. Wikimedia Commons.

Malheureusement, peu de temps après son mariage, Wain a perdu sa femme d'un cancer. Et sa mort a été le déclencheur d'une profonde dépression dans la vie de l'artiste.

À 57 ans, on lui a diagnostiqué une schizophrénie, un trouble qui affecte non seulement la façon de penser d'une personne, mais aussi son comportement. Wain a commencé à agir de manière agressive et a donc passé les 15 dernières années de sa vie dans des institutions psychiatriques.

Ce n'est pas seulement sa personnalité qui a été affectée : les œuvres d'art de Wain ont également commencé à avoir un style de moins en moins similaire à ses œuvres initiales. Ses chats, auparavant souriants et câlins, ont commencé à montrer des traits différents, ils sont devenus plus géométriques et plus colorés. La plupart de ces chatons psychédéliques sont nés lorsque Wain a été hospitalisé à l'hôpital de Napsbury, où l'artiste est finalement décédé.

Louis Wain, Chat kaléidoscope, vers 1930, collection privée. Wikimedia Commons.

Francisco de Goya. Biographie, oeuvres et expositions

L'œuvre de Francisco de Goya est universellement connue pour sa qualité spectaculaire, sa modernité et son engagement. L'enseignant de Fuendetodos était un pionnier de la technique et de la matière, un anticonformiste dans une société où il ne s'intégrait jamais vraiment, mais qui s'abandonnait à son talent artistique éblouissant.

"Le temps peint aussi"

« Le peintre Francisco de Goya » (1826). Huile sur toile. Vicente López Portaña. Musée du Prado

Le musée du Prado fait partie des plus grandes galeries d'art du monde et de toutes ses salles, celles qui attirent les visiteurs comme un aimant sont celles qui présentent les œuvres de Francisco de Goya, l'un des peintres les plus importants, charismatiques et iconoclastes de l'histoire. de la peinture. Le sien "Peintures noires" et les suites de gravures sont très admirées pour leur étonnante modernité et rompent avec les normes de leur temps ses peintures Costumbrista, portraits et religieux éblouissent par la lumière qu'elles émettent et la contemporanéité de leur coup de pinceau qui les transforme en œuvres presque pré-impressionnistes. Sa conception de l'art transcende celle du simple reflet de ce qui l'entoure, interprétant plutôt son travail comme quelque chose en constante évolution : « Le temps aussi peint », a-t-il dit plus d'une fois.

Le cas de Goya est presque unique dans l'histoire de l'art, comparable seulement à celui de maîtres comme El Greco ou Turner. C'est l'histoire de ces artistes qui ont fui les écoles de leur temps pour poursuivre un art qui ne sera compris que plusieurs décennies plus tard, les intentions de leur art étant différentes, très différentes de celles de leurs contemporains. Dans les propres mots de Goya : « Les qualités exceptionnelles de leur travail sont gâchées par ces maîtres maniérés, qui voient toujours des lignes et jamais des corps. Mais où trouvent-ils des lignes dans la nature ? Je ne vois que des corps clairs et des corps sombres, des plans qui avancent ou reculent, des reliefs et concaves." - des mots auxquels pouvaient souscrire de nombreux artistes d'avant-garde du XXe siècle, écrits plus de 150 ans plus tôt.

Apprentissage précoce et voyage en Italie

Francisco de Goya est né à Saragosse le 10 mars 1746 avec l'art dans les veines, fils d'un maître doreur et d'une mère issue des échelons inférieurs de l'aristocratie. Au milieu du XVIIIe siècle, Saragosse était une ville riche et puissante avec une activité florissante dans la construction d'églises et de couvents qui avait alors besoin d'artisans pour les décorer de retables, de peintures et de panneaux. Les compétences du père de Goya étaient très recherchées et il décida de pousser les aspirations de ses enfants dans la même voie. Le futur peintre de la Cour fait ses premiers pas vers le papier et la toile à l'âge de 13 ans sous la tutelle de José Luzán Martínez, formé par les peintres napolitains et dont l'influence sera décisive dans l'attirance de Goya pour la peinture italienne. Après Luzán Martínez, Goya a poursuivi son apprentissage avec Francisco Bayeu et, à l'âge de 17 ans, a demandé une bourse et une titularisation à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando mais a été refusé. Une nouvelle demande en 1766 a de nouveau échoué.

"Les émeutes d'Esquilache" (vers 1766)

Les œuvres attribuées à Goya à cette époque sont rares, il reste quelques peintures à thème religieux, mais celle qui se démarque le plus est "Les émeutes d'Esquilache" (vers 1766). C'est une peinture d'ensemble qui dépeint un incident réel d'une grande intensité et d'une grande pertinence sociale et affiche certaines de ce qui deviendra des constantes futures dans son travail : l'utilisation théâtrale de la lumière et des ombres, des coups de pinceau lâches, des couleurs vibrantes, du mouvement et un intérêt marqué pour l'équilibre. et composition. En 1770, le jeune artiste voyage en Italie, où est née sa passion pour les masques, les coutumes populaires et le théâtre de rue - une passion qui correspond à sa fascination pour les visages et les figures grotesques. Pendant le voyage, Goya a décidé de soumettre sa candidature à un concours organisé par l'Académie des Beaux-Arts de Parme : "Hannibal le Conquérant regarde l'Italie pour la première fois depuis les Alpes". Alors que la peinture éponyme de Goya a recueilli de bonnes critiques, la puissance et le "manque de réalisme" des couleurs n'ont pas convaincu le jury de lui décerner le premier prix. Le style artistique risqué, personnel et vibrant de Goya se distinguait déjà par sa modernité face à l'académisme évident de ses collègues.

"Hannibal le Conquérant regarde l'Italie pour la première fois depuis les Alpes" (1770). Fondation Selgas-Fagalde

Premiers pas vers le succès. Fresques et dessins animés de tapisserie

Détail de la chapelle du Conde de Sobradiel, Saragosse (1770). Archives de Barboza Grasa

A son retour, Goya, aujourd'hui âgé de 25 ans, entreprend sa première commande importante : peindre une fresque dans l'une des voûtes de la Basilique du Pilier de Saragosse, en appliquant les techniques apprises lors de son séjour en Italie. Cette œuvre lui vaut d'autres contrats : des fresques pour églises et palais et, principalement, des portraits de l'aristocratie aragonaise. C'est à cette époque qu'il réalise des peintures pour décorer la chapelle du Palais du Comte de Sobradiel. Son travail lui vaut une certaine notoriété et une position stable, facteurs qui convainquent son ancien professeur, Francisco Bayeu, de permettre à Goya d'épouser sa sœur Josefa. Des sept enfants issus de leur mariage, seul le plus jeune, Francisco Javier Pedro, survivra à l'âge adulte. À quel point la mort de ses enfants a tourmenté l'âme de l'artiste apparaîtra plus tard dans son "Peintures noires", "Capricorne" et "Disparates" série imprimée.

"Le marchand de poterie" (1779). Bande dessinée de tapisserie pour l'usine royale de Santa Barbara

1775 allait être un tournant crucial et bouleversant pour Goya. Anton Raphael Mengs, premier peintre du roi Charles III et également commandé comme maître peintre par d'autres cours européennes, fait appel à lui pour concevoir et peindre des cartons de tapisserie pour l'Usine Royale de Santa Barbara. Les premières ont été peintes la même année : un total de neuf œuvres, chacune servant de modèle de guide pour les tapisseries destinées au siège royal de San Lorenzo de l'Escurial. Goya continue sa production et l'année suivante commence une autre série de dessins animés, cette fois destinés à la collection du Palais del Pardo. Entre 1778 et 1780, il travailla et vécut à la cour, ce qui lui permit de se lier d'amitié avec le secrétaire d'État de l'époque, le comte de Floridablanca. Cette relation et d'autres, jointes à son talent indéniable et à l'originalité de son travail, lui garantissent la stabilité et Goya fera alors ses premiers pas pour devenir le futur Peintre de Cour. En 1780, il présente "Le Christ en croix" à l'appui de sa demande d'entrée à l'Académie royale de San Fernando et est admis à l'unanimité

« Le Christ en croix » (1780). Musée du Prado

Une carrière en plein essor : Jovellanos, Ceán Bermúdez et les Lumières

À cette époque, l'art et la peinture se caractérisent par leur académisme acharné. Le néoclassicisme a jeté une ombre sur les artistes contraints à des contraintes à toute épreuve et stéréotypées basées sur des règles séculaires. Goya se rebelle contre ces impositions et choisit sa propre voie, quelque chose qui caractérisera son travail et son attitude pendant la majeure partie de sa vie. Les années 1780 lui apportent à la fois des succès et des échecs du rejet du public et des universitaires à ses fresques de la Vierge Marie pour la basilique du Pilier, à l'éloge sans réserve de son "Saint Bernardin de Sienne prêchant à Alphonse V d'Aragon" (1873), créé pour un autel de la Basilique Saint François le Grand. Avec sa renommée désormais bien établie, Goya consacre du temps à peindre les portraits de familles importantes et de membres des classes supérieures tels que le duc d'Osuna et le comte de Floridablanca. En effet, le mécénat des ducs d'Osuna va lui valoir de nombreuses commandes.

"Saint Bernardin de Sienne prêchant à Alphonse V d'Aragon" (1781-83). Basilique de Saint Francisco el Grande

L'âme inquiète de Goya le propulse vers certains environnements, individus et idées qui deviendront fondamentaux tout au long de sa vie. A cette époque, il fait la connaissance de Gaspar Melchor de Jovellanos et du collectionneur d'art Juan Agustín Ceán Bermúdez. A travers ces amitiés, sa carrière de peintre ne cesse de s'élever, grâce aux nombreuses commandes qu'elles lui ont procurées. Cependant, ces commandes ne sont en aucun cas le bénéfice le plus important qu'il reçoit de ses amis : elles ouvrent les portes aux cercles intellectuels et réformistes prônant la venue des Lumières en Espagne. C'est une découverte qui impacte l'artiste, qui s'identifie immédiatement à ces nouveaux regards sur l'éducation et la politique. Ce sont des moments critiques et révélateurs qui affectent également sa peinture. Ses toiles commencent à abandonner les concepts idéalistes et perfectionnistes au profit de l'expressionnisme, représenté par l'exagération et le grotesque. Sans le savoir, Goya devient l'un des précurseurs d'un mouvement qui allait bientôt germer dans toute l'Europe : le romantisme.

Mauvaise santé, nus et guerre. Le temps du réalisme.

"La Maja vêtue" (1800-1807). Musée du Prado

1792 est une année sombre dans la vie de Francisco de Goya. Lors d'un voyage en Andalousie, il souffre d'une terrible maladie qui le laisse profondément sourd à l'âge de 46 ans, une surdité qui l'accompagnera jusqu'à sa mort et imprégnera nombre de ses pensées et peintures de noirceur. Le peintre trouve refuge dans son art et crée une série de petits tableaux où la présence de la tragédie et du crime est forte. Cependant, Goya renaît comme un phénix de ses cendres et devient en 1795 directeur de la peinture à l'Académie des beaux-arts de San Fernando. Il continue comme portraitiste de la noblesse, obtenant même le patronage de la duchesse d'Albe, récemment veuve. L'artiste continue de développer son intérêt pour le grotesque, les traditions populaires populaires et la critique sociale à travers ses gravures, comme en témoignent les "Capricorne" (1799). A cette époque, il peint également ses œuvres célèbres "La Maja vêtue" et "La Maja nue", ce qui lui apportera plus tard la colère de l'Inquisition.

"Le 3 mai 1808 à Madrid" (1813-14). Musée du Prado

Au déclenchement de la guerre d'Indépendance (1808-1814), Goya est obligé d'être vu prendre parti pour le gouvernement, même si sa production reste critique dans des séries telles que « Catastrophes de guerre ». Sa femme, Josefa, décède en 1812, date à laquelle on pense qu'il commence une relation avec Leocadia Zorrilla. Après la guerre, il continue à travailler comme Peintre de Cour auprès du roi et de la noblesse, allant même jusqu'à peindre le portrait de Ferdinand VII, le "Roi félon" et monarque absolu autoproclamé qu'il n'a ni aimé, ni respecté, ni accepté. Cependant, bien qu'il n'ait montré que les dessins et gravures critiques pour le régime à ses amis les plus fidèles, sa prudence était une protection insuffisante contre l'Inquisition qui, en 1815, a intenté un tribunal contre lui pour son "La Maja nue". Sans se laisser décourager, il poursuit sa production d'eaux-fortes avec deux séries emblématiques : "Tauromaquia (Tauromachie)" et l'inachevé "Disparates (Folies)".

"La folie du carnaval". Eau-forte 14 de la série "Disparates" (1815). Musée du Prado

Dernières années. La Maison du Sourd et la mort à Bordeaux.

"Saturne dévorant son fils" (1819-23). Musée du Prado

En 1819, Goya a 73 ans. La maladie, la surdité, sa désillusion avec le gouvernement absolutiste et ses problèmes avec l'Inquisition ont fait des ravages sur son corps, son esprit et son esprit. Il acquiert la propriété madrilène dont il était tombé amoureux pour ses vues et son vaste terrain et elle sera connue sous le nom de La Maison du Sourd. Le peintre âgé souffre à nouveau d'une grave maladie, mais la survit pour laisser son chant du cygne résonner autour de ses murs. Je me réfère ici au célèbre "Peintures noires", où Goya revient pour se concentrer sur les sujets qui ont toujours niché dans les profondeurs de son art : la mort, l'humanité de l'homme à l'homme, la dégradation opérée par le passage du temps et le mal qui se cache dans l'âme humaine. En 1824, Goya s'exile volontairement à Bordeaux pour tenter de prendre ses distances avec le gouvernement absolutiste qu'il méprise et craint à la fois. Il est accompagné de Leocadia Zorrilla et de ses deux enfants, dont le plus jeune, Rosario, Goya considère sa propre fille et enseigne l'art de la peinture.

« La Laitière de Bordeaux » (1827). Musée du Prado

En 1826, Goya peut enfin se retirer et vivre ses dernières années tranquillement et confortablement, consacré à son travail graphique, l'enrichissant de séries telles que le "Nouveaux Caprichos", et des gravures sur le thème de la tauromachie. Parmi ses dernières œuvres se distingue "La Laitière de Bordeaux" (1827), peint un an avant sa mort, qui éblouit par sa libre utilisation du coup de pinceau, du cadrage, de la composition et du thème, affichant une liberté créative et picturale surprenante qui préfigurait l'impressionnisme de maîtres tels que Renoir et Manet. Il convient également de souligner qu'aujourd'hui, la peinture a suscité une controverse avec certains experts doutant de la paternité de Goya et suggérant la possibilité qu'elle aurait pu être de la main de son élève Rosario. En 1828, Goya meurt à Bordeaux, laissant à la postérité une œuvre unique au monde, pleine de liberté créatrice, de modernité, d'engagement social et de beauté.

Goya à Madrid (2014-15)

Les caricatures que Goya a peintes comme études de motifs pour les tapisseries étaient historiquement considérées comme des « œuvres mineures ». Cependant, ce sont de magnifiques peintures en elles-mêmes qui révèlent la main inimitable du maître et laissaient présager des mouvements artistiques qui viendraient plusieurs décennies plus tard. Le musée du Prado a organisé une exposition entière de ces caricatures, les présentant avec celles d'autres artistes de l'époque ainsi que les peintures et sculptures qui ont servi de modèle et d'inspiration.

Goya : Les Portraits (2015)

En 2015, la National Gallery de Londres a célébré le travail éblouissant de Goya le portraitiste dans une exposition de soixante-dix portraits qui, selon les propres mots de l'institution, "démontrer son approche audacieusement non conventionnelle et son habileté remarquable à capturer la psychologie de ses modèles." L'exposition comprenait des peintures, des dessins et des miniatures rarement ou jamais vus dans la capitale britannique.

Goya et la cour éclairée, illustré (2017)

Le Musée des Beaux-Arts de Bilbao a organisé cette exposition en collaboration avec le Musée du Prado et la Fondation La Caixa. La sélection comprenait quatre-vingt-seize œuvres qui reflètent l'activité de Goya au cours de ses années en tant que peintre de cour, permettant au public d'admirer des œuvres aussi célèbres que "Le bluff de l'aveugle" et "Le mannequin de paille". C'était la première exposition consacrée à Goya dans la capitale de la province de Biscaye.

Maîtres d'Espagne : Goya & Picasso (2018)

Goya a partagé l'espace avec un autre grand artiste espagnol, Pablo Picasso, dans cette exposition organisée par le Polk Museum of Art de Floride (États-Unis). Plus de 50 œuvres d'art étaient exposées, dont la célèbre « Tauromaquie » (La tauromachie), présentée aux côtés de plusieurs pièces créées par Picasso sur plusieurs types de supports allant de la céramique au carton. La plupart des œuvres ont été prêtées par The Art Company, située à Pesaro, en Italie.

Goya. Dessins. "Seule ma force de volonté reste" (2019)

Toujours en 2019, le musée du Prado a consacré une partie de son calendrier d'expositions à l'œuvre de Francisco de Goya. A cette occasion, l'exposition s'est appuyée sur les recherches et la documentation entreprises pour le nouveau catalogue raisonné que le musée avait l'intention de publier, sur la base d'un accord signé entre le Prado et la Fondation Botín. C'était la première fois que plus de 300 dessins de Goya, comprenant les fonds propres du Prado et des prêts de collections du monde entier, étaient rassemblés.

Goya et ses critiques. Nigel Glendinning (Yale University Press, 1977 et 2017)

Nigel Glendinning était un érudit renommé sur les travaux de Francisco de Goya. Ce livre, écrit en 1977 et réédité en 2017, est le premier document à étudier l'artiste et son œuvre à travers sa contextualisation dans le temps. L'auteur, décédé en 2013, a été un pionnier dans la réflexion sur différentes analyses et études de l'œuvre du peintre au fil des décennies. Le livre ajoute d'autres études ultérieures de l'auteur lui-même, ainsi que des textes d'autres experts. De manière générale, ce livre est considéré comme l'étude la plus complète réalisée à ce jour sur l'œuvre de l'artiste.

Francisco Goya. Vie et uvres. Valeriano Bozal (TF Editores, 2005)

Valeriano Bozal est un expert renommé de l'œuvre de Francisco de Goya et dont la contribution peut être trouvée dans des ouvrages de référence, tels que la nouvelle édition susmentionnée de Nigel Glendinning. Son livre Francisco de Goya. Vie et œuvres est un texte important pour, entre autres, le point de vue novateur et original qu'il apporte sur les passions et les obsessions du peintre. Le savant commence le livre par la phrase : « Goya ne nous prête pas ses yeux, il ouvre les nôtres. Vers le passé, vers le présent. Composé de deux volumes, c'est une œuvre essentielle pour entrer dans le monde personnel et les temps turbulents d'un artiste unique.

Goya dans la littérature. Leonardo Romero Tobar (Marcial Pons, 2016)

Le professeur d'art Leonardo Romero Tobar a réalisé un travail remarquable sur cette étude, une monographie bien organisée et annotée qui jette un nouvel éclairage sur le travail de Francisco de Goya. Le texte est une vaste collection de références bibliographiques annotées, une magnifique contribution pour tout érudit sur l'œuvre de l'artiste. Loin d'être un recueil de citations et de textes du maître, le livre est une compilation de références qui ajoutent une analyse intéressante de l'œuvre, des intérêts et du contexte du peintre.


Les peintures noires de Francisco De Goya

Francisco de Goya (vers 1746-1828), a connu un démarrage lent dans sa carrière de peintre. Bien qu'il ait commencé à étudier la peinture à l'adolescence, il a trouvé ses premiers ponts vers l'art à la cour espagnole en tant que concepteur de tapisserie et graveur. Il a finalement réalisé son objectif de devenir peintre de cour en 1779, et peu de temps après, il a été admis à l'Académie royale de Madrid de San Fernando en 1780. Spécialisé dans les portraits et autres œuvres de commande, la popularité de Goya a grimpé en flèche à la cour royale d'Espagne. Son apogée, cependant, sera bientôt interrompue par la maladie et la guerre. En 1792, il a été ravagé par une maladie qui l'a finalement rendu sourd - sa maladie ne guérirait jamais complètement et il aurait plusieurs rechutes. De plus, la cour d'Espagne dans laquelle travaillait le peintre se trouva bientôt prise dans les intrigues de Napoléon Bonaparte, ce qui déboucha sur la guerre d'Espagne (1808-1814), une époque où les Espagnols se battaient pour rester indépendants du contrôle français direct. Malheureusement pour l'Espagne, lorsque la royauté espagnole est revenue au pouvoir sous le roi Ferdinand VII en 1814, son règne s'est avéré assez oppressant. Francisco de Goya, un homme maladif vivant à une époque déchirée par la guerre, a été grandement affecté par cet environnement chaotique dans lequel il a vécu au cours de sa vie ultérieure.

Fatigué et dégoûté par la guerre et la vie courtoise de plus en plus hostile, Francisco de Goya a progressivement commencé à s'éloigner du cercle restreint du pouvoir. La guerre péninsulaire l'a inspiré à commencer à graver et à imprimer une série intitulée Catastrophes de guerre, qui dépeint le carnage et la cruauté de la bataille et de l'oppression dans tous ses détails sanglants. En 1814, ces thèmes réapparaissent dans sa peinture, Le 3 mai 1808, une pièce émouvante qui dépeint des combattants de la liberté espagnols exécutés par des hommes armés français. Malheureusement pour Goya, mais bénéfique pour le monde de l'art, la sombre descendance du peintre ne s'est pas terminée ici avec des thèmes de guerre et d'effusion de sang.

En 1819, Francisco de Goya acheta une propriété de campagne près de Madrid qui devint connue sous le nom de La Quinta del Sordo (la Maison du Sourd). À peu près à la même époque, il a subi une rechute majeure de sa maladie persistante - sa santé s'est détériorée à un point tel qu'il est devenu une sorte d'ermite dans son domaine nouvellement acquis. Une fois que Goya a suffisamment récupéré pour ramasser le pinceau, il a commencé à peindre à La Quinta del Sordo, se lançant dans une nouvelle phase de son parcours artistique. En appliquant ses peintures directement sur les murs en plâtre de sa maison, Francisco de Goya a passé les années entre 1820 et 1823 à créer ce qu'on appelle maintenant ses « Peintures noires », une série de quatorze œuvres d'art sombres, psychologiques et macabres, impliquant souvent des œuvres grotesques. expressions faciales et atmosphères étranges. Parmi cet étrange ensemble de peintures figurait le célèbre Saturne dévorant un de ses enfants, et le diabolique Sabbat des sorcières, qui se trouvent tous deux plus bas dans la page.

En 1824, Francisco de Goya abandonne La Quinta del Sordo, avec ses murs peints, et décide de passer le reste de ses jours en France. Il s'installe à Bordeaux, où il meurt en 1828 à 82 ans.


L'histoire de la duchesse d'Albe – Francisco de Goya’s Muse

Peu de femmes dans l'Espagne du XVIIIe siècle ont capturé l'imagination des contemporains aussi profondément que Doña María de Pilar Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo (1761-1802), XIII duchesse d'Albe à part entière.

Elle est connue grâce à de nombreux tableaux créés par Francisco de Goya. Surtout de ces deux-là, où sur l'un elle est allongée toute habillée, de l'autre entièrement nue.

La relation entre elle et Goya était considérée comme l'une des histoires d'amour les plus romantiques de l'histoire de l'art espagnol. Bien que la liaison entre le rude Francisco de Goya et la belle et capricieuse duchesse d'Albe, la plus grande d'Espagne, ait maintenant été décrite comme une légende, elle reste une histoire très intéressante.

Par exemple, sur l'un des portraits formels de la duchesse, la duchesse porte deux bagues, portant les noms Alba et Goya, et pointe la signature de l'artiste à ses pieds.

Francisco de Goya, Portrait de la duchesse d'Albe. Alternativement connue sous le nom de la duchesse noire, 1797, Hispanic Society of America

La description dit Solo Goya – “only Goya”.

Le couple s'est rencontré lorsque la duchesse était adolescente et ils se sont bien connus. Goya a fait de nombreuses visites dans ses palais pour peindre. En 1739, son mari, le duc, meurt à l'âge de 39 ans. Elle devient alors la femme la plus riche d'Espagne. Alba, 34 ans, radieuse de beauté et au sommet de sa réussite sociale, s'est retirée dans le domaine familial de Sanlucar de Barrameda, près de Cadix, et a invité Goya. Goya avait cinquante ans, était sourd, marié et n'était toujours pas complètement remis de sa maladie débilitante de 1792.

Francisco de Goya, Duchesse d'Albe / La Duchesse Blanche, 1795, Palais de Liria

Il est resté de juillet 1797 jusqu'au mois de mars suivant et a réalisé ses portraits les plus intimes de son patron, faisant des siestes, câlinant sa fille noire adoptive et taquinant sa femme de chambre. Deux ans plus tard, les “Majas” font leur apparition.

La duchesse a clairement charmé Goya lors de l'une de leurs premières rencontres, au cours de laquelle elle a demandé à l'artiste de se maquiller. Goya a écrit dans une lettre, « la femme Alba, qui est venue hier au studio pour me faire peindre son visage, et elle a eu ce qu'elle voulait, j'aime certainement plus ça que peindre sur toile, et je dois encore faire un portrait en pied d'elle ».

Le tableau, considéré comme scandaleux par la société espagnole de l'époque, représente une femme allongée entièrement nue. C'est le premier exemple de poils pubiens féminins en peinture, mais beaucoup considèrent la version vêtue encore plus érotique. Son visage n'est pas celui de la duchesse, mais le corps ressemble beaucoup aux courbes délicates de l'autre tableau. Elle, avec une pièce d'accompagnement représentant le même modèle vêtu, La maja vestida, a été commandée par le Premier ministre espagnol Manuel de Godoy (l'amante connue de la reine d'Espagne, María Luisa).

Francisco de Goya, La Maja nue, entre 1795 et 1800 environ, Museo del Prado

La véritable identité des Majas est incertaine. Au fil des ans, de nombreux historiens de l'art ont rejeté la possibilité que le tableau représente la duchesse, mais les commérages restent. Ces érudits pensent que la peinture représente soit la jeune maîtresse de Godoy, soit un composite idéalisé de plusieurs modèles différents.

La duchesse est décédée dans des circonstances quelque peu mystérieuses en juillet 1802 à l'âge de 40 ans. Bien que sa mort soit apparemment due à la tuberculose et à la fièvre, des scénarios plus colorés ont été suggérés au fil des ans, parmi lesquels une théorie selon laquelle elle aurait été empoisonnée.

Francisco de Goya, La Maja nue, entre 1795 et 1800 environ, Museo del Prado

À la fin, nous pouvons partager le nom complet de la duchesse – êtes-vous prêt ?

Doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán, décimo tercera duquesa de Alba de Tormes, décima primera duquesa de Huéscar, sexta duquesa de Montoro, octava condesa-duquesa de Olivares, décimo primera marquesa del Carterpio, décira de Coria, neuvaine marquesa de Eliche, décimo segunda marquesa de Villanueva del Río, sexta marquesa de Tarazona, marquesa de Flechilla y Jarandilla, décimo primera condesa de Monterrey, décimo cuarta condesa de Lerín, décimo tercera condesa de Oropesa, décimo cuarta de Navarra Condes , décimo segunda condesa de Galve, décimo cuarta condesa de Osorno, de jure duquesa de Galisteo, décimo primera condesa de Ayala, neuvaine condesa de Fuentes de Valdepero, condesa de Alcaudete, condesa de Deleitosa, señora del estado de Valdeíascorneja, bar de Dicastillo, San Martín, Curton et Guissens.


Francisco Goya (1746-1828)

Francisco Goya © Goya était un peintre et graveur novateur et l'un des grands maîtres de la peinture espagnole.

Francisco José de Goya y Lucientes est né près de Saragosse en Aragon le 30 mars 1746. Son père était peintre. L'éducation artistique formelle de Goya a commencé à l'âge de 14 ans lorsqu'il était apprenti chez un peintre local. En 1763, Goya se rendit à Madrid et travailla sous la direction d'un autre artiste aragonais, Francisco Bayeu, dont il épousa la sœur.

En 1771, Goya visita l'Italie. En 1775, il s'était installé à Madrid et dessinait pour la Manufacture royale de tapisserie. En 1786, il est nommé peintre de la cour de Charles IV.

Au cours de l'hiver 1792, Goya tomba gravement malade et resta totalement sourd. Ce fut un tournant dans sa carrière. Ses peintures ont été transformées de son ancien style rococo à une vision plus expressionniste et il a choisi des sujets de plus en plus sombres.

Pendant la brutale occupation napoléonienne de l'Espagne, Goya a vu de ses propres yeux les horreurs de la guerre. Celles-ci ont inspiré une série de gravures « Les désastres de la guerre » et deux tableaux « 2 mai 1808 » et « 3 mai 1808 ».

Vers 1820, Goya a commencé une série de fresques sur les murs de sa maison de campagne près de Madrid, qui est devenue connue sous le nom de « Peintures noires ».

En 1824, les bouleversements politiques en Espagne forcent Goya à s'exiler en France. Il retourna à Madrid pour une brève visite en 1826, mais mourut à Bordeaux le 16 avril 1828.


De Goya meurt - Histoire

Peint sur les murs de plâtre de son humble demeure, Saturne dévorant son fils est l'une des œuvres de Francisco Goya qui entre dans la classification des "Peintures noires" de Goya. Goya, un artiste espagnol qui n'avait pas l'intention que ces peintures soient vues par le public (il n'a reçu aucune commande pour elles) a été considéré par certains comme artistiquement fou, mais d'autres pensent qu'il exprimait simplement sa propre amertume envers la condition humaine générale. .

La légende

La peinture représente l'un des titans grecs, Saturne, dans un état fou alors qu'il consomme sauvagement le corps de l'un de ses fils. Selon la légende, Saturne, qui avait renversé son propre père, apprit une prophétie dans laquelle il était prédit qu'un de ses propres fils renverserait son pouvoir de la même manière. Obsédé à empêcher la prophétie de se réaliser, Saturne a dévoré chacun de ses enfants dès leur naissance. Sa femme a réussi à cacher son dernier enfant, Jupiter, à Saturne et la prophétie s'est réalisée plus tard.

Détails & Description

La présentation très macabre du tableau est, au mieux, dérangeante. L'utilisation limitée par Goya de couleurs vives comme on le voit dans le blanc de ses yeux, le blanchissement de ses jointures lorsqu'il saisit le corps de l'enfant et la pâleur impétueuse du dos de l'enfant mort avec la rougeur du sang sont dans contraste frappant avec les couleurs sombres et sombres qui étaient autrement utilisées dans la peinture.

Goya dépeint Saturne comme un titan/homme fou qui mange frénétiquement un enfant, avec la tête, le bras gauche et une partie de l'épaule de l'enfant manifestement déjà dévorés. Il a été dit qu'au moment de la découverte du tableau, la représentation de Saturne incluait un état d'excitation sexuelle alors qu'il consommait l'enfant. Cependant, cela n'a pas été confirmé et, en raison de la détérioration qui s'est produite dans le plâtre, aucune telle condition n'a depuis été visible.

Il est également tout à fait possible que, si l'excitation était présente dans la peinture, elle ait été délibérément modifiée avant d'être exposée au public, d'autant plus que Goya n'avait jamais eu l'intention que cette peinture ou toute autre de la série "Black" soit vu par le public.

Dans ses dernières années, Goya s'est complètement exilé et a laissé la maison qui contenait les peintures murales à son petit-fils. La maison devint finalement la propriété d'Emile d'Erianger en 1874, qui commanda que les peintures murales soient minutieusement transférées sur toile et conservées en raison du fait que les murs de la maison se détérioraient rapidement.

Spéculation sur la source

De nombreuses théories abondent sur ce qui aurait poussé Goya à peindre des pièces aussi morbides, et à le faire sur les murs de sa maison. Une autre ironie est que Goya a choisi sa salle à manger pour peindre la murale de Saturne dévorant son fils.

Certains pensent que Goya était tellement aigri par les troubles politiques de son Espagne bien-aimée qu'il a ressenti le besoin d'exprimer son amertume à travers son art. Ils affirment qu'il utilisait le symbolisme, l'Espagne étant le fils et les oppresseurs étant Saturne. D'autres pensent que la peinture est une représentation tordue de sa relation avec ses propres fils.

Quel que soit le motif derrière cela, Saturne dévorant son fils est une représentation troublante du conflit, de la peur et de la soif de sang qui peut accompagner la soif de pouvoir.

Une réponse à “Saturne dévorant son fils”

très détaillé j'adore. littéralement des frissons haha ​​!! C'est un chef-d'œuvre si je le dis moi-même. Je ne supporte pas le cannibalisme, mais cela me touche vraiment, moi et mes 6 fils que j'ai à la maison. Ils aiment manger mais j'espère qu'ils ne me mangent pas LOL AHHAAHHAHAHAHAHAHAHAH


De Goya meurt - Histoire

("Vie et travail" E. L. Buchholz)



FRANCISCO GOYA

Francisco de Goya et Lucientes 1746-1828) était le fils d'un pauvre orfèvre de Saragosse. En 1763 : il s'installe à Madrid et, après une période de voyage, il revient en 1776 pour devenir un artiste à succès. Il devient peintre principal du roi Charles IV en 1799. En 1811, Joseph Bonaparte lui décerne l'Ordre royal d'Espagne. Après la chute de l'empire napoléonien, Goya travailla à nouveau pour la cour espagnole. Avec la restauration du régime absolutiste de Ferdinand VII, l'artiste quitte Madrid pour Paris et s'installe en 1825 en exil volontaire à Bordeaux, où il meurt après un dernier sursaut d'activité. Son œuvre a depuis beaucoup influencé et inspiré les artistes, en particulier les peintres français du XIXe siècle.

L'IMPORTANCE DE GOYA

Francisco de Goya et Lucientes (1746-L828) était l'une des figures les plus influentes de l'art espagnol. Il a également été extrêmement important dans le développement de la sensibilité esthétique moderne, précurseur du romantisme, tant dans le contenu de ses peintures, avec leur exploration en profondeur de la réalité et leurs références au monde du rêve, que dans sa technique très originale. Son travail incarne ses visions imaginatives personnelles, défiant l'académisme traditionnel et les sujets conventionnels. Goya s'est décrit comme un élève de Vélasquez, de Rembrandt et de la nature : à partir de Vélasquez, il a acquis le sens des couleurs légèrement ombrées, appliquées en couches : à partir de Rembrandt, sa prédilection pour les décors sombres et mystérieux et de la nature, il a pris une variété infinie de formes, certaines belles, d'autres non. Goya était un fin observateur de la société contemporaine et a enregistré le sentiment de malaise causé par la crise morale et politique de l'Espagne dans les dernières années du XVIIIe siècle : il a également dépeint avec dextérité le pittoresque et la gaieté de la vie des majas de Madrid, la vie religieuse des les gens et l'enthousiasme pour le progrès et la technologie (La montgolfière, 1818-19).
Goya était d'esprit libéral, un homme des Lumières, et son cercle social était composé d'intellectuels progressistes. Il a tourné son attention vers le monde des dépossédés — en Le maçon blessé et l'hiver (1786-87). par exemple - et plus tard dans le monde mystérieux de la sorcellerie et de la sorcellerie, qui était déjà populaire parmi les écrivains de l'époque. se trouvent également fortement et graphiquement dénoncé l'injustice et la cruauté, et la fausse moralité et le sectarisme des hypocrites religieux. Dans son Los Caprichos série (1797-99). Goya a souligné les maux de l'ignorance et de la superstition, tentant de les exorciser avec ses représentations impitoyablement lucides.
Peintre en chef de la cour, il peint de superbes portraits de la noblesse et de la royauté espagnoles, souvent influencés par les échos de Velazquez du célèbre Las Meninas sont évidents dans La famille de Charles IV. Utilisant des effets picturaux extraordinairement habiles, il dépeint avec précision l'opulence rococo des meubles et des modes, l'assurance aristocratique des poses de ses sujets, tout en enregistrant subtilement la mesquinerie et la vanité d'une classe dirigeante corrompue et complaisante. L'invasion française, le soulèvement populaire qui a suivi, les horreurs de la guerre. et la désillusion à l'idée que les libérateurs supposés n'étaient que de nouveaux oppresseurs, tout a poussé Goya à témoigner des événements de manière réaliste ou allégorique sa série de gravures Les désastres de la guerre (1810-20) rappelle les séries antérieures de Callot. En 1819, il tomba gravement malade et devint plus introspectif. Il se lance dans l'étrange et brillant cycle des "peintures noires", qui combine une vision très personnelle avec ses thèmes religieux persistants. Sa préoccupation pour la folie humaine a duré jusqu'à sa mort en 1828.


Francisco Goya
La Grande Chèvre
1797-98
Musée Lazaro Galdiano, Madrid

C'est l'un des huit tableaux commandés par la duchesse d'Osuna pour sa maison de campagne à Alameda.
Le sujet, semblable à celui de l'eau-forte n° 60 de Los Caprichos, a permis à Goya de combiner son flair pour la fantaisie
avec des attaques sauvages contre les abus de l'Église et l'exploitation des superstitions et des peurs,
profondément ancrées dans l'imaginaire populaire.

Goya

Les deux aspects principaux du romantisme se conjuguent dans l'œuvre de Goya : l'exploration des frontières d'une vie plus profonde et l'intégration du fait historique. Dans Le Colosse, Goya dépeint le géant comme bestial et étrangement immobile. Il se dresse contre le ciel sombre et brumeux, planant au-dessus d'une terre peuplée de personnes en fuite. Le tableau représente la catastrophe imminente de la guerre et l'abandon de l'humanité à la force destructrice de l'instinct. D'autres travaux clés de Goya comprennent Saturne dévorant son propre fils (1821-23), une allégorie de l'Espagne détruisant son propre peuple, et un "reportage" de 65 eaux-fortes. Les Catastrophes de guerre, exécuté entre 1810 et 1820. Dans ceux-ci, l'artiste illustre les massacres, les viols, les violences, les assassinats, les blasphèmes et les crimes commis par les armées française et espagnole pendant l'occupation napoléonienne. Un élément obscur, curieux et irrationnel était apparent dans l'œuvre de Goya. Dans sa série d'eaux-fortes Los Caprichos (publiée en 1799), il n'y a rien de la gaieté souvent dominante dans les œuvres au titre similaire de Tiepolo, Fragonard ou Guardi. L'artiste s'interroge aussi sur les dérives de son imagination dans Capricho N° 43, un autoportrait. Sa tête repose contre une base solide, métaphore de l'ordre dans le monde, alors qu'il est en plein cauchemar. Il a intitulé la pièce "Le sommeil de la raison produit des monstres", ajoutant, "l'imagination abandonnée par la raison engendre la monstruosité ensemble, ils forment la mère des arts et l'origine des merveilles". la même provenance. L'œuvre de Goya était extrêmement avancée pour l'époque, démontrant une étonnante habileté technique à la fois en eau-forte et en peinture. Ses œuvres sont caractérisées par des problèmes et des conflits, inconnus dans l'iconographie du XVIIIe siècle, et un traitement clairsemé et sombre du paysage. Les portraits de Goya révèlent souvent les extraordinaires complexités intérieures de l'âme humaine - ils peuvent illustrer à la fois l'arrogance, l'autorité et un sentiment de vide. Même lorsqu'il peignait des toiles officielles comme le célèbre portrait de groupe La famille de Charles IV (1800-01), la fragilité humaine des sujets a été mise en évidence. La technique de Goya pour peindre des nus allait avoir une influence décisive sur la peinture romantique tardive et même impressionniste. Le sien La Maja nue (1800) est probablement l'un des nus les plus célèbres de l'histoire de l'art. Il était aussi le maître de la fresque, comme en témoignent les terrifiantes "peintures noires" (1820-1822) de la "Maison du Sourd", sa maison de campagne, qui furent transférées sur toile en 1873. Unique pour son époque, Goya préfigurait plusieurs des thèmes de l'art moderne dans un vaste corpus d'œuvres qui ont affiché une intensité d'expression inégalée.


L'enterrement de la Sardine,


Quelque temps après 1812, dans une période de difficultés pour son pays et pour lui-même, Francisco Goya a peint une scène exubérante montrant les réjouissances des habitants de Madrid le mercredi des Cendres. Des esprits libéraux comme Goya avaient souffert sous l'absolutisme et la terreur de l'Inquisition, et la peinture, témoignage des coutumes et de la joie de vivre du peuple, reflète les propres sentiments d'anxiété et d'affliction de l'artiste. Mesurant 82,5 x 62 cm, l'œuvre se trouve maintenant à l'Académie royale de San Fernando, Madrid.


Francisco de Goya
L'enterrement de la Sardine

1812-14
Huile sur panneau, 82,5 x 59 cm
Musée de la Real Academia de San Fernando, Madrid

Les croyants de toute l'Espagne catholique ont afflué à l'église le mercredi des Cendres. « Car tu es poussière et tu retourneras à la poussière » : prononçant le texte sacré, le prêtre a dessiné une croix cendrée sur le front de chaque membre de la congrégation, les exhortant à se repentir de leurs péchés. À Madrid, en revanche, le mercredi des Cendres était une journée de danse et de beuverie alors que le carnaval atteignait son apogée.
Une masse croissante de personnes se rassemble sous un ciel de février. Hommes, femmes et enfants, pour la plupart masqués ou du moins déguisés, se pressent autour de quatre figures dansantes : trois en blanc, la quatrième habillée en taureau coiffé d'un masque mortuaire. Les personnages semblent danser au pas, certains avec les bras levés gracieusement au-dessus de leurs têtes, d'autres gesticulant sauvagement. Ils n'ont pas besoin d'accompagnement il n'y a aucun signe d'une guitare. Le rythme est marqué par le cliquetis des castagnettes et des piétinements, et par les claquements et claquements de doigts des spectateurs.
La scène a un air d'improvisation, comme si un groupe de personnes avait décidé, tout à fait spontanément, d'exécuter une danse folklorique ou une forme de grotesque hilarante, peut-être la caricature d'une seguidilla - à peine surprenant dans un pays où chaque petite fille, selon à la légende locale, naît la danse. On dansait à chaque occasion en Espagne, même dans les fêtes religieuses les plus importantes. Lorsqu'une procession avait lieu à Valence, par exemple, il était d'usage que sept gitans dansent une ronde sacrée devant le Saint-Sacrement.
La scène de danse de Goya, comprenant les personnages en blanc, le "bull", l'homme à la lance et un "ours" au premier plan, fait partie d'une cérémonie bizzare qui a lieu à Madrid chaque année le mercredi des Cendres, appelée "L'enterrement de la sardine" .
Après avoir fait la fête et s'être délecté tout au long de la dernière nuit du Carnaval, la population de Madrid a enfilé ses masques et ses costumes et est descendue dans la rue pour une dernière aventure. Vers le soir, se pressant sur la promenade bondée du Prado, ils grossirent les rangs d'une « marche funèbre » burlesque qui quitta la ville par la porte de Tolède. Ce n'est qu'après avoir atteint les rives du Manzanares, lieu de loisirs favori, qu'ils s'arrêtèrent enfin.
Traditionnellement, la marche était dirigée par trois personnages masqués, qui faisaient peut-être partie des danseurs de Goya : « Oncle Chispas » (l'étincelle) aux yeux fous et roulants, le vain briseur de cœur « Juanillo » et la belle et têtue « Chusca ». Le cortège, avec les personnages masqués en tête, se moquait de la pompe sérieuse des défilés de l'Église. Au roulement solennel des tambours, des hommes à l'air sombre portant des capuchons portaient - au lieu d'images des saints - des bannières proclamant un roi du carnaval au visage de lune et souriant, ainsi qu'une poupée de paille géante appelée "Pelele", avec une petite sardine pendante .
Goya n'a peint ni Pelele ni sardine - dont l'origine, d'ailleurs, les savants sont incapables de retracer. Au lieu de cela, il a montré la procession à l'une des étapes de son parcours, ou peut-être simplement une scène dans les prairies à côté des Manzanares, tandis qu'ailleurs, dans le vacarme des feux d'artifice, le poisson était enterré et la poupée de paille s'enflammait.
Ce n'était pas seulement l'occasion de danser, mais de beaucoup manger et boire : en ce premier jour de jeûne de Carême, les règles de l'Église étaient écartées tandis que des chevreaux rôtis et des jambons gras étaient consommés.
On ne sait pas si l'Inquisition, qui a continué à semer la terreur du vivant de Goya, a réellement tenté de réprimer ces réjouissances païennes. Gardien de la seule vraie foi et de la plus pure des morales, il condamnerait naturellement la danse. Néanmoins, il préféra éviter les conflits directs avec le peuple, choisissant des victimes au lieu d'un statut social plus élevé : en 1778, l'ensemble du domaine de Don Pablo Olavide fut confisqué par le Saint Tribunal et son nom interdit jusqu'à la cinquième génération. Il était accusé, entre autres, d'avoir permis à ses serviteurs de danser un Sundav.

Des jours où les barrières tombaient


Francisco de Goya
L'enterrement de la Sardine
(détail)

Contrairement aux femmes parmi les spectateurs, dont les cheveux et la peau sont largement voilés, le plat à castagnettes dévoile des bras nus et une poitrine ample. I e masque blanc et les joues peintes peuvent bien avoir caché un homme. ou une prostituée. Le carnaval était une excellente occasion de démarchage. Les femmes portaient des pantalons, des jupes pour hommes, et tout le monde se promenait avec des affiches, insultant ouvertement les figures d'autorité, épinglées dans le dos.
Pendant quelques jours, les barrières morales et sociales d'une société rigidement hiérarchisée ont été balayées, ainsi que ses tabous sexuels. Des périodes de licence orgiaque comparable, connues sous le nom de bacchanales ou Saturnales, avaient eu lieu à l'époque préchrétienne. L'Église chrétienne ascendante avait fait ce qu'elle pouvait pour contrôler les réjouissances, l'incorporant dans son propre calendrier comme une courte période de comportement tapageur menant aux 40 jours de jeûne du Carême avant Pâques.
Comme l'étymologie du mot « carnaval » elle-même, les origines des coutumes associées au carnaval restent obscures. Ils peuvent remonter très loin, peut-être jusqu'aux rites de fertilité archaïques et sanguinaires de certaines premières sociétés agraires. Ainsi, la poupée de paille Pelele, qui s'enflamme le dernier jour de la fête de Madrid, serait une lointaine descendante de certains rois qui se sont sacrifiés pour assurer à leur peuple une riche récolte. Plus tard, leurs sujets ont été contraints de prendre leur place : César a écrit de gigantesques figures d'osier que les Celtes remplissaient de monde et incendiaient. La coutume du bûcher de carnaval a continué à prospérer partout où les Celtes se sont installés, y compris en Espagne. Des chiffres se sont enflammés, comme à Madrid, devant les portes de la ville. Ce n'était pas par peur du feu, mais parce que le rituel, qu'il soit conçu pour conjurer ou expulser, était dirigé contre les esprits qui marchaient dans les zones crépusculaires.
Une personne qui avait commis un crime odieux ou qui est décédée d'une mort violente n'a pas, selon la croyance populaire, trouvé la paix éternelle, mais est revenue comme un fantôme pour hanter les vivants. Des masques et des visages peints étaient portés pour les éloigner. Des masques de mort aux yeux creux regardent la foule de Goya, tandis que le mot "Mortus" - la mort - peut être deviné, certes avec une certaine difficulté, sur la bannière sombre au-dessus d'eux. Le carnaval n'était pas, à l'origine, une fête de la joie. Selon une croyance ancienne, les "morts-vivants" fantomatiques sont réapparus à l'époque de la dernière nouvelle lune en hiver. Cela coïncidait avec l'ancienne fête du printemps celtique et, plus ou moins, avec le carnaval chrétien.
Le masque de l'ours en bas à gauche du tableau convenait à l'occasion. Dès l'arrivée du printemps, l'ours sort de son hibernation et sort de sa grotte en titubant. Selon une curieuse tradition, dont Aristote témoigne du sérieux, le premier acte de l'ours en apparaissant de cette manière est de manger une herbe laxative, le faisant expulser, dans un pet aux proportions orageuses, tous les esprits qu'il avait accueillis pendant les mois d'hiver.

La duchesse a bu dans des bars miteux


Francisco de Goya
L'enterrement de la Sardine
(détail)

L'ours était généralement accompagné de la silhouette d'un chasseur. Cependant, la figure moustachue avec lance abaissée rejoignant les danseurs peut être le partenaire du taureau noir dans cette danse folklorique. Son costume, avec le chapeau noir à large bord, le pantalon en cuir et le gilet sans manches brodé, rappelle les costumes traditionnels portés par les picadors dans les représentations de corridas de Goya. Les spectateurs de l'"Enterrement de la Sardine" étaient aussi ceux qui se pressaient dans l'arène pour les corridas. Autour des danseurs sont rassemblés les ordres "inférieurs", des gens qui vivaient dans les quartiers les plus pauvres de Madrid. C'était le "el commun", les gens du commun, ou, comme les appelaient ceux qui pouvaient se payer un car, "la gente de a pie" : les gens qui marchent à pied.
Les mantilles blanches brillent partout où l'on regarde dans la foule. Portés en noir au nord, blancs au sud et madrilènes, et accompagnés d'une large jupe sombre, ils étaient traditionnellement portés par les femmes espagnoles de toutes les classes. Parmi les spectateurs se trouvaient probablement des ménagères, des servantes et des poissonnières, ainsi que des ouvriers, des vendeurs d'eau et des épiciers, des colporteurs et des garçons de magasin. Comme la danseuse de droite, beaucoup portent une casquette ronde en cuir castillan sur un foulard noué, rabattu sur le front, ainsi qu'une couverture de laine en bandoulière, l'excuse du pauvre homme pour un manteau d'hiver.
Avec des salaires précaires, la plupart « auraient vécu dans des logements primitifs, d'où ils s'enfuyaient dès que l'occasion s'en présentait. Les jours fériés officiels de l'Église, ils pullulaient dehors dans la rue ou dans les prairies au bord de la rivière. Ils étaient attirés par tout type de divertissement de masse, et leur amour du spectacle et des paillettes les a attirés en grand nombre vers le corrida, le théâtre et les processions de l'Église.
Goya a obtenu son premier succès en tant que jeune artiste en peignant diverses formes de divertissement populaire espagnol. Ses créations colorées de tapisseries, par exemple, montraient une beauté locale sous un parasol, un jeu de chamois d'aveugle et un Danse sur les rives du Manzanares. Ces œuvres ont été peintes pour une aristocratie qui, déterminée à tenir à distance l'influence française, prenait une conscience nationale et développait un goût pour la culture populaire.
Portant le costume folklorique traditionnel d'un maja ou manola, une fille ordinaire, la duchesse d'Albe choyée a accompagné l'artiste au corrida, ou aux bars de ruelles de mauvaise réputation.Ses incursions dans ce monde des enfers ont permis à cette dame de la plus haute noblesse de goûter au frisson du danger : déboutonné, les humeurs bruyantes pouvaient changer rapidement, les bagarres éclataient sans crier gare, les couteaux fusaient.
Goya, peignant l'issue sanglante d'un soulèvement spontané sur Le 3 mai 1808 à Madrid,, capture quelque chose de cette séquence violente dans le tempérament espagnol. Les Espagnols avaient supporté avec sérénité la mauvaise gestion de leur économie par leur propre roi, Charles IV. Cependant, lorsque les Français ont occupé le pays et pillé les églises, et lorsque Napoléon a emporté leur monarque, il y a eu une rébellion armée. De 1808 à 1812, ils ont mené une féroce guérilla contre les occupants, avec torture, meurtre et autres atrocités. On retrouve des traces de la lutte dans l'œuvre de Goya.

Du bon vivant au loup solitaire


Francisco de Goya
L'enterrement de la Sardine
(détail)

L'un des visages - ou masques - de la foule est particulièrement visible, ressemblant à un autoportrait de Goya exécuté en 1815 à l'âge de soixante-neuf ans, une peinture à peu près contemporaine de L'enterrement de la Sardine. Avec son visage plat de paysan et ses yeux enfoncés, sa tête légèrement penchée dépassant d'un col ouvert, l'artiste se déplaçait avec aisance parmi le peuple madrilène. Il était l'un d'entre eux - de naissance, de tempérament et d'inclination.
Goya a vécu à Madrid pendant 50 ans. Né fils d'un doreur à Fuendetodos en Aragon en 1746, il était venu à Madrid en 1774, s'assurant une certaine renommée grâce à ses grands cartons pour tapisseries. Dans son livre « Tableau de l'Espagne moderne », le baron français de Bourgoing a loué le talent de Goya pour « rendre les coutumes, les costumes et les jeux de son propre pays d'une manière à la fois charmante et fidèle à la réalité ». En tant que portraitiste, Goya était également très demandé. Avec sa passion pour le travail acharné, le génie de Goya lui a rapidement apporté le succès dans la sphère publique : en 1780, il a été élu à l'Académie de San Fernando, devenant six ans plus tard un peintre de cour. En 1789, il est nommé "peintre de cour du roi", poste très convoité, ce qui lui rapporte une importante rente. Cela a non seulement assuré les moyens de subsistance de sa famille, mais a permis à la bon vivant Goya à se livrer au genre de style de vie extravagant qu'un Madrid manolo trouverait attrayant. Goya aimait les extravagances de toutes sortes, il s'habillait en dandy et était particulièrement fier de son coach à la mode. Sa correspondance montre qu'il a été un artisan extraverti qui, outre la peinture, aimait particulièrement les femmes, les corridas et le chocolat chaud.
Mais peu à peu, l'artiste sans instruction subit l'influence de ses collègues de l'Académie : intellectuels, journalistes et hommes politiques. Ces hommes, avec leurs rêves d'une Espagne libérale, avaient salué avec enthousiasme le déclenchement de la Révolution française. Écrivant à un ami en 1790, Goya déclara : « J'ai l'intention de défendre une certaine idée et de maintenir une certaine dignité dont on dit qu'elle appartient à tous les hommes ».
Deux ans plus tard, Goya a développé une maladie presque mortelle, le laissant sourd comme un nuage et de plus en plus isolé. Le bon vivant peu sophistiqué s'est transformé en un loup solitaire maussade. Tout en poursuivant son travail de portraitiste, il refuse de faire plus de dessins animés de scènes folkloriques gaies. Il ne peignait plus pour le succès, mais pour "occuper une imagination mortifiée par la contemplation de mes souffrances".
Il entame une série d'images de naufrages, d'incendies nocturnes et de scènes dramatiques avec des brigands. Ces petites images lui permettaient de capter des observations « qu'on ne peut exprimer ». dans les œuvres de commande, car celles-ci ne laissent pas libre cours à la fantaisie et à l'invention. En 1799, il publie une série de gravures satiriques intitulée Los Caprichos, fustigeant, à la manière de ses amis "éclairés", toutes sortes de bêtises, préjugés et superstitions, et attaquant les puissances d'oppression, y compris l'Église et son Inquisition, pour maintenir le peuple dans l'ignorance et la misère.
Il y a une étude préliminaire pour L'enterrement de la Sardine montrant les figures follement dansantes en tant que prêtres, moines et nonnes. Cependant, Goya n'a pas osé ridiculiser une institution aussi puissante de manière aussi directe dans la peinture elle-même.

La mort sous les traits d'un taureau


Francisco de Goya
L'enterrement de la Sardine
(détail)

Le rassemblement est dominé par une silhouette sombre vêtue de noir, dont les attributs, un masque mortuaire et des cornes, ont personnifié le mal dans les mythes et les légendes pendant des milliers d'années. Les figures de ce genre incluent une créature "avec une tête de bélier qui accompagnait le dieu de la mort celtique, le bouc émissaire envoyé dans le désert chargé des péchés des Israélites, et Satan, sous les traits d'une chèvre noire, célébrant une messe étrange avec ses sorcières. Dans les arènes d'Espagne, les taureaux noirs, pleins de vigueur, sont vaincus par des toreros qui portent une "suite de lumière" étincelante, reconstituant, consciemment ou inconsciemment, un ancien rituel cultuel dans lequel le bien triomphe du mal.
Goya lui-même aurait été en quelque sorte un torero dans sa jeunesse, et nombre de ses œuvres montrent les différentes étapes de la mise à mort rituelle. Ensemble avec L'enterrement de la Sardine, sa Corrida dans un village appartient à un groupe de cinq tableaux offerts par Manuel Garcia de la Prada, un ami de l'artiste, à l'Académie royale de San Fernando, où ils sont encore accrochés. Les tableaux n'étant pas mentionnés dans l'inventaire de Goya de 1812, ils ont probablement été exécutés dans les années qui ont suivi, période fatidique pour l'Espagne, ainsi que pour l'artiste lui-même.
Bien que les Espagnols aient gagné la guerre contre la France, Ferdinand VII, le monarque qu'ils avaient "aspiré", n'est revenu en 1814 que pour réintroduire le pouvoir absolu et, avec lui, l'Inquisition. La réaction et les forces d'oppression ont triomphé « quiconque se dressait sur leur chemin » a été purgé, torturé et pendu. L'un des amis de Goya, l'acteur Maiquez, a perdu la raison en prison, d'autres, des libéraux comme lui, ont fui le pays pour la France. Goya, lui aussi, a été convoqué devant l'Inquisition, probablement pour répondre de l'offense causée par sa peinture de nu Maja nue. Il s'en tire à bon compte, conservant même son allocation de peintre de cour. Avec la mort de sa femme et de la duchesse d'Albe, cependant, l'artiste est devenu de plus en plus reclus, se retirant pratiquement de la vie publique. Les expériences et les peurs de ces années se reflètent dans les cinq tableaux de l'Académie : outre L'enterrement de la Sardine et le Corrida, il y a un Asile, un cortège de flagellants fanatiques et sanglants et un procès devant l'Inquisition.
Ces œuvres marquent une période de transition dans l'œuvre de Goya. Tout en restant un peintre de scènes folkloriques contenant des rendus réalistes des coutumes de la gente de a pie, il commence maintenant à révéler le terrible abîme qui se cache derrière les activités apparemment inoffensives du peuple. Ses couleurs sont devenues pâles et horribles, ou profondément sombres, et ses personnages ont perdu ce "charme" caractéristique qui avait autrefois fait l'admiration de son travail. Au lieu de cela, ils gesticulaient comme des marionnettes, avec des visages cachés derrière des masques : "Pour toute la vie", selon l'artiste, "est une mascarade". Les visages, l'habillement et la voix sont faux chacun trompe l'autre."

Un reflet d'horreur

La révolte espagnole contre Napoléon


Personne n'est innocent une fois qu'il a vu ce que j'ai vu. J'ai été témoin de la transformation des plus nobles idéaux de liberté et de progrès en lances, sabres et baïonnettes. Incendie criminel, pillage et viol, tous censés apporter un nouvel ordre, n'échangeaient en réalité que le garrot contre la potence.

Francisco de Goya, à partir d'une entrée dans son journal, 1808


Francisco de Goya
Le 3 mai 1808 : l'exécution des défenseurs de Madrid

1814
Huile sur toile, 266 x 345 cm
Musée du Prado, Madrid


Cette peinture, l'une des plus célèbres de Goya, fut particulièrement influente, inspirant plus tard les peintures de guerre de Manet et Picasso. La toile montre l'exécution au peloton d'exécution, sur un tertre près de la maison du prince Pie, de quelques partisans qui avaient participé aux émeutes de mai 1808 contre Joseph Bonaparte, que Napoléon avait placé sur le trône d'Espagne. La fortune de Napoléon s'est dégradée peu après ces émeutes. La scène dramatique se déroule la nuit, dans un endroit isolé près du palais royal de Madrid (représenté par une grande forme sombre à droite en arrière-plan). Goya commémore la bravoure des patriotes mais garde un regard objectif et détaché sur cette méthode d'abattage très moderne. Au premier plan à droite, le peloton d'exécution est aligné à gauche, devant les canons arasés, ce sont les martyrs de l'indépendance, rassemblés autour d'un personnage en chemise blanche et illuminés par la lumière jaune de la lanterne placée sur le sol.

La composition s'articule autour de deux groupes opposés : celui de droite est structuré de lignes droites qui traversent les soldats et leurs mousquets, vus en perspective et celui de gauche est disposé le long de lignes courbes autour de l'homme au tibia tandis que. En arrière-plan, les lignes horizontales des bâtiments prédominent. Sur la gauche, le monticule et les vêtements du personnage central fournissent une lumière réfléchie - plus de lumière vient de la lanterne.

À travers l'obscurité, deux sources lumineuses brillantes projettent des rayons éblouissants, exposant les détails expressifs des visages et des positions, ainsi que la mare de sang qui s'est infiltrée dans le sol. Dans la pénombre, se dressent des silhouettes indistinctes dans des poses dramatiques, et sur le sol gisent les silhouettes immobiles des hommes exécutés. strié de rouge. Éclairé par de violents rayons de lumière, le groupe rebelle émerge des ténèbres.

La figure centrale tend les bras comme un homme crucifié et hurle, montrant un défi à travers sa pose et son geste. Le blanc et le jaune vifs se détachent de la couleur tamisée de son environnement, contribuant à une image saisissante et dramatique. Au premier plan, un corps allongé les bras tendus.

Les soldats s'alignent avec une rigidité militaire bien rodée, exécutant leurs ordres comme des machines, chacun avec la même posture tendue, les jambes écartées pour une plus grande stabilité lorsque vient le recul, 'ils forment un chœur de gris et de broivns, qui ne varie que aux couleurs de leurs sacs à dos. Une. lumière pâle et froide, provenant d'une source extérieure à l'image vers le premier plan à droite, éclaire leur dos et leurs flancs c'est la même lumière qui tombe sur les corps allongés au sol à gauche. Le peintre voulait que le spectateur ne remarque le peloton d'exécution qu'après avoir étudié et compatissant avec le condamné.

Des coups de pinceau fermes, entrecoupés de touches de noir, représentent les visages des Espagnols au centre à droite de ce détail. Chaque visage a sa propre identité, ils sont comme des masques illustrant le désespoir, les blancs de leurs veilles montrant la terreur, et leurs expressions déformées par la peur et l'horreur. Un rouge fumé est présent dans la couleur de la peau, ajoutant à l'effet clair-obscur vigoureux. Goya a investi sa composition d'un grand sens de la liberté, et son utilisation de la couleur montre une évolution vers l'art contemporain.

Napoléon était furieux. La "maudite affaire espagnole" était hors de contrôle. Très tôt, l'empereur de France, fou de pouvoir, avait pensé que ce serait un jeu d'enfant. Charles IV de Spam, au mieux un faible, s'était retiré dans l'ombre, laissant le gouvernement entre les mains de sa femme Maria Luisa et de son amant Manuel Godoy. Napoléon aurait pu gagner l'ambitieux Godoy en le faisant vice-roi d'Espagne. Cependant, ses liens avec Napoléon, qui ont conduit à une guerre désastreuse avec la Grande-Bretagne, ont rendu Godoy impopulaire dans toute l'Espagne. Il échappe de justesse au lynchage en s'enfuyant en France.
Napoléon, tout rusé qu'il était, avait toujours traité l'Espagne, alliée de la France, comme une nation soumise. Il refusa d'admettre sa défaite face à une nation occupée par ses troupes. Faisant semblant de chercher la réconciliation, il convoqua le roi et la reine d'Espagne, accompagnés du prince héritier, en France. La véritable intention de Napoléon était de garder la famille royale espagnole captive et de mettre son frère aîné, Joseph Bonaparte, sur le trône ibérique. Lorsque la trahison de Napoléon fut connue, une révolte désespérée éclata en Espagne le 2 mai 1808. Désespérément en infériorité numérique, une bande de personnes armées de couteaux et de lances attaqua une puissante force de cavalerie française sur la Puerta del Sol, une place au cœur de Madrid. Commencée dans une colère aveugle et impuissante, la révolte est vouée d'emblée à l'échec. Pourtant, personne n'est plus près de montrer la brutalité nue de ces événements que Francisco de Goya, peintre de la cour de Charles IV, qui avait initialement accueilli les idéaux de Napoléon. Imprégné de l'esprit de la Révolution française, il n'avait pas hésité à montrer la famille royale espagnole telle qu'elle était, en la peignant sous un jour peu flatteur. Cependant, Napoléon s'est avéré être le contraire de ce qu'il avait semblé être. Bien qu'il ait à l'origine proclamé la liberté pour son propre peuple et pour les autres peuples d'Europe, il s'est révélé comme un despote. Peut-être que ses valeurs s'étaient corrompues et déformées. En tout cas, Goya a dépeint la scène avec un twist : son héros est la victime qui sera la prochaine à être abattue. L'homme à la chemise blanche étend les bras comme le Christ en croix. Les blessures sur ses mains sont comme celles du Christ. Son message est :
Je meurs pour que tu vives. Il faudra cinq ans pour chasser les Français d'Espagne.

("Vie et travail" E. L. Buchholz)

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Contenu

Francisco Goya est né à Fuendetodos, Aragon, Espagne, le 30 mars 1746 de José Benito de Goya y Franque et Gracia de Lucientes y Salvador. La famille avait déménagé cette année-là de la ville de Saragosse, mais il n'y a aucune trace de la raison pour laquelle José a probablement été chargé de travailler là-bas. [5] Ils appartenaient à la classe moyenne inférieure. José était fils de notaire et d'origine basque, ses ancêtres étant de Zerain [6], gagnant sa vie comme doreur, spécialisé dans l'artisanat religieux et décoratif. [7] Il a supervisé la dorure et la majeure partie de l'ornementation lors de la reconstruction de la basilique Notre-Dame du Pilier (Santa Maria del Pilar), la principale cathédrale de Saragosse. Francisco était leur quatrième enfant, après sa sœur Rita (née en 1737), son frère Tomás (né en 1739) (qui devait suivre le métier de son père) et sa deuxième sœur Jacinta (née en 1743). Il y avait deux fils cadets, Mariano (né en 1750) et Camilo (né en 1753). [8]

La famille de sa mère avait des prétentions de noblesse et la maison, une modeste maison de briques, appartenait à sa famille et, peut-être de façon fantaisiste, portait leur écusson. [7] Vers 1749, José et Gracia ont acheté une maison à Saragosse et ont pu retourner vivre dans la ville. Bien qu'il n'y ait pas de documents survivants, on pense que Goya a peut-être fréquenté les Escuelas Pías de San Antón, qui offraient une scolarité gratuite. Son éducation semble avoir été adéquate mais pas instructive, il avait la lecture, l'écriture et le calcul, et une certaine connaissance des classiques. Selon Robert Hughes, l'artiste « ne semble pas s'être plus intéressé qu'un charpentier aux questions philosophiques ou théologiques, et ses vues sur la peinture... étaient très terre-à-terre : Goya n'était pas un théoricien ». [9] À l'école, il a formé une amitié étroite et permanente avec son camarade Martín Zapater. Les 131 lettres que Goya lui a écrites de 1775 jusqu'à la mort de Zapater en 1803 donnent un aperçu précieux des premières années de Goya à la cour de Madrid. [5] [10]

À 14 ans, Goya a étudié auprès du peintre José Luzán, où il a copié des timbres [ lequel? ] pendant 4 ans jusqu'à ce qu'il décide de travailler à son compte, comme il l'écrira plus tard dans "la peinture de mon invention". [11] Il a déménagé à Madrid pour étudier avec Anton Raphael Mengs, un peintre populaire de la royauté espagnole. Il se heurta à son maître et ses examens furent insatisfaisants. Goya a soumis des candidatures pour la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1763 et 1766, mais s'est vu refuser l'entrée dans l'académie. [12]

Rome était alors la capitale culturelle de l'Europe et détenait tous les prototypes de l'antiquité classique, tandis que l'Espagne manquait d'une direction artistique cohérente, avec toutes ses réalisations visuelles importantes dans le passé. N'ayant pas réussi à obtenir une bourse, Goya s'est installé à ses frais à Rome dans la vieille tradition des artistes européens remontant au moins à Albrecht Dürer. [13] Il était un inconnu à l'époque et les dossiers sont donc rares et incertains. Les premiers biographes l'ont fait voyager à Rome avec une bande de toreros, où il a travaillé comme acrobate de rue, ou pour un diplomate russe, ou est tombé amoureux d'une belle jeune nonne qu'il a comploté d'enlever de son couvent. [14] Il est possible que Goya ait achevé deux peintures mythologiques survivantes lors de la visite, une Sacrifice à Vesta et un Sacrifice à Pan, tous deux datés de 1771. [15]

En 1771, il remporte le deuxième prix d'un concours de peinture organisé par la ville de Parme. Cette année-là, il retourne à Saragosse et peint des éléments des coupoles de la basilique du Pilier (y compris Adoration du Nom de Dieu), un cycle de fresques pour l'église monastique de la Chartreuse d'Aula Dei, et les fresques du Palais Sobradiel. Il a étudié avec l'artiste aragonais Francisco Bayeu y Subías et sa peinture a commencé à montrer des signes des tonalités délicates pour lesquelles il est devenu célèbre. Il se lie d'amitié avec Francisco Bayeu et épouse sa sœur Josefa (il la surnomme « Pepa ») [16] le 25 juillet 1773. Leur premier enfant, Antonio Juan Ramon Carlos, est né le 29 août 1774. [17]

Le mariage et l'adhésion de Francisco Bayeu en 1765 à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando et la direction des travaux de tapisserie à partir de 1777 ont aidé Goya à obtenir une commande pour une série de cartons de tapisserie pour la Royal Tapestry Factory. Pendant cinq ans, il a conçu quelque 42 motifs, dont beaucoup ont été utilisés pour décorer et isoler les murs de pierre de l'Escurial et du Palacio Real del Pardo, les résidences des monarques espagnols. Alors que la conception de tapisseries n'était ni prestigieuse ni bien payée, ses dessins animés sont pour la plupart vulgarisateurs dans un style rococo, et Goya les a utilisés pour se faire connaître. [18]

Les cartons n'étaient pas ses seules commandes royales et étaient accompagnés d'une série de gravures, principalement des copies d'après des maîtres anciens tels que Marcantonio Raimondi et Velázquez. Goya avait une relation compliquée avec ce dernier artiste alors que beaucoup de ses contemporains voyaient de la folie dans les tentatives de Goya de le copier et de l'imiter, il avait accès à un large éventail d'œuvres du peintre mort depuis longtemps qui figuraient dans la collection royale. [19] Néanmoins, l'eau-forte était un médium que le jeune artiste devait maîtriser, un médium qui devait révéler à la fois les véritables profondeurs de son imagination et ses convictions politiques. [20] Son c. 1779 eau-forte de L'homme garrotté ("El agarrotado") était la plus grande œuvre qu'il avait produite à ce jour, et un pressentiment évident de sa série ultérieure "Disasters of War". [21]

Goya était en proie à la maladie, et sa condition était utilisée contre lui par ses rivaux, qui regardaient jalousement tout artiste qui montait en stature. Certains des plus grands dessins animés, tels que Les noces, mesuraient plus de 8 pieds sur 10 et s'étaient avérés épuiser sa force physique. Toujours ingénieux, Goya a renversé ce malheur, affirmant que sa maladie lui avait permis d'avoir la perspicacité de produire des œuvres plus personnelles et informelles. [22] Cependant, il a trouvé le format limitant, car il ne lui a pas permis de capturer des changements de couleur ou de texture complexes et n'était pas adapté aux techniques d'empâtement et de glaçage qu'il appliquait alors à ses œuvres peintes. Les tapisseries apparaissent comme des commentaires sur les types humains, la mode et les modes. [23]

D'autres œuvres de l'époque comprennent une toile pour l'autel de l'église de San Francisco El Grande à Madrid, qui a conduit à sa nomination en tant que membre de l'Académie royale des beaux-arts.

En 1783, le comte de Floridablanca, favori du roi Charles III, charge Goya de peindre son portrait. Il se lie d'amitié avec le demi-frère du roi, Luis, et passe deux étés à travailler sur des portraits de l'infant et de sa famille. [25] Au cours des années 1780, son cercle de mécènes s'est agrandi pour inclure le duc et la duchesse d'Osuna, le roi et d'autres personnages notables du royaume qu'il a peints. En 1786, Goya obtient un poste salarié de peintre de Charles III.

Goya fut nommé peintre de la cour de Charles IV en 1789. L'année suivante, il devint premier peintre de la cour, avec un salaire de 50 000 réaux et une allocation de 500 ducats pour un carrosse. Il a peint des portraits du roi et de la reine, du Premier ministre espagnol Manuel de Godoy et de nombreux autres nobles. Ces portraits se distinguent par leur réticence à flatter son Charles IV d'Espagne et sa famille est une évaluation particulièrement brutale d'une famille royale. [B] Les interprètes modernes considèrent le portrait comme satirique, on pense qu'il révèle la corruption derrière le règne de Charles IV. Sous son règne, sa femme Louisa aurait eu le vrai pouvoir, et Goya l'a donc placée au centre du portrait de groupe. De l'arrière gauche du tableau, on peut voir l'artiste lui-même regarder le spectateur, et le tableau derrière la famille représente Lot et ses filles, faisant ainsi une fois de plus écho au message sous-jacent de corruption et de décadence.

Goya a reçu des commandes des plus hauts rangs de la noblesse espagnole, dont Pedro Téllez-Girón, 9e duc d'Osuna et son épouse María Josefa Pimentel, 12e comtesse-duchesse de Benavente, José Álvarez de Toledo, duc d'Albe et son épouse María del Pilar de Silva, et María Ana de Pontejos y Sandoval, marquise de Pontejos. En 1801, il peint Godoy dans une commande pour commémorer la victoire de la brève guerre des Oranges contre le Portugal. Les deux étaient amis, même si le portrait de Goya en 1801 est généralement considéré comme une satire. Pourtant, même après la disgrâce de Godoy, le politicien s'est référé à l'artiste en termes chaleureux. Godoy se considérait comme un instrument dans la publication des Caprichos et est largement soupçonné d'avoir commandé La maja desnuda. [26]

La Maja Desnuda (La maja desnuda) a été décrit comme « le premier nu féminin grandeur nature totalement profane dans l'art occidental » sans prétention à une signification allégorique ou mythologique. [27] L'identité du Majas est incertaine. Les modèles les plus cités sont la duchesse d'Albe, avec qui Goya aurait parfois eu une liaison, et Pepita Tudó, maîtresse de Manuel de Godoy. Aucune théorie n'a été vérifiée, et il reste tout aussi probable que les peintures représentent un composite idéalisé. [28] Les peintures n'ont jamais été exposées publiquement du vivant de Goya et appartenaient à Godoy. [29] En 1808, tous les biens de Godoy ont été saisis par Ferdinand VII après sa chute du pouvoir et son exil, et en 1813, l'Inquisition a confisqué les deux œuvres comme « obscènes », les rendant en 1836 à l'Académie des beaux-arts de San Fernando. [30] En 1798, il peint des scènes lumineuses et aériennes pour les pendentifs et la coupole de la Real Ermita (Chapelle) de San Antonio de la Florida à Madrid. Beaucoup d'entre eux représentent des miracles de Saint Antoine de Padoue au milieu du Madrid contemporain.

Entre la fin de 1792 et le début de 1793, une maladie non diagnostiquée laissa Goya sourd. Il est devenu renfermé et introspectif tandis que la direction et le ton de son travail ont changé. Il commença la série des eaux-fortes aquatintes, publiées en 1799 sous le titre Caprichos—complétée parallèlement aux commandes plus officielles de portraits et de peintures religieuses. En 1799, Goya publia 80 Caprichos gravures représentant ce qu'il a décrit comme « les innombrables faiblesses et folies que l'on trouve dans toute société civilisée, et des préjugés communs et des pratiques trompeuses que la coutume, l'ignorance ou l'intérêt personnel ont rendus habituels ». [31] Les visions de ces estampes s'expliquent en partie par la légende "Le sommeil de la raison produit des monstres". Pourtant, ce ne sont pas seulement sombres, ils démontrent l'esprit satirique pointu de l'artiste, particulièrement évident dans les eaux-fortes telles que La chasse aux dents.

L'effondrement physique et mental de Goya semble s'être produit quelques semaines après la déclaration de guerre de la France à l'Espagne. Un contemporain a rapporté : « Les bruits dans sa tête et la surdité ne s'améliorent pas, mais sa vision est bien meilleure et il a repris le contrôle de son équilibre. [32] Ces symptômes peuvent indiquer une encéphalite virale prolongée, ou peut-être une série d'accidents vasculaires cérébraux miniatures résultant d'une hypertension artérielle et qui ont affecté les centres auditifs et d'équilibre du cerveau. Des symptômes d'acouphènes, des épisodes de déséquilibre et une surdité progressive sont typiques de la maladie de Ménière. [33] Il est possible que Goya ait souffert d'empoisonnement au plomb cumulatif, car il a utilisé des quantités massives de blanc de plomb - qu'il a lui-même broyé [34] - dans ses peintures, à la fois comme apprêt pour toile et comme couleur primaire. [35] [36]

D'autres évaluations diagnostiques post mortem pointent vers une démence paranoïaque, peut-être due à un traumatisme cérébral, comme en témoignent les changements marqués dans son travail après sa guérison, culminant dans les peintures « noires ». [37] Les historiens de l'art ont noté la capacité singulière de Goya à exprimer ses démons personnels comme des images horribles et fantastiques qui parlent universellement et permettent à son public de trouver sa propre catharsis dans les images. [38]

L'armée française envahit l'Espagne en 1808, menant à la guerre d'Espagne de 1808-1814. L'étendue de l'implication de Goya avec la cour du "roi intrus", Joseph Ier, le frère de Napoléon Bonaparte, n'est pas connue, il a peint des œuvres pour des mécènes et des sympathisants français, mais est resté neutre pendant les combats. Après la restauration du roi d'Espagne Ferdinand VII en 1814, Goya a nié toute implication avec les Français. Au moment de la mort de sa femme Josefa en 1812, il peignait Le 2 mai 1808 et Le 3 mai 1808, et préparer la série de gravures connue plus tard sous le nom Les désastres de la guerre (Los desastres de la guerra). Ferdinand VII rentre en Espagne en 1814 mais les relations avec Goya ne sont pas cordiales. L'artiste a réalisé des portraits du roi pour divers ministères, mais pas pour le roi lui-même.

Pendant sa convalescence entre 1793 et ​​1794, Goya a réalisé un ensemble de onze petits tableaux peints sur étain qui marquent un changement significatif dans le ton et le sujet de son art, et puisent dans les domaines sombres et dramatiques du cauchemar fantastique. Cour avec des fous est une vision imaginaire de la solitude, de la peur et de la distanciation sociale. La condamnation de la brutalité envers les prisonniers (qu'ils soient criminels ou aliénés) est un sujet que Goya a analysé dans des travaux ultérieurs [39] qui ont porté sur la dégradation de la figure humaine. [40] C'était l'une des premières peintures de cabinet de Goya au milieu des années 1790, dans laquelle sa recherche antérieure de la beauté idéale a cédé la place à un examen de la relation entre le naturalisme et la fantaisie qui le préoccupera pour le reste de sa carrière. [41] Il subissait une dépression nerveuse et entrait dans une maladie physique prolongée, [42] et a admis que la série avait été créée pour refléter son propre doute de soi, son anxiété et sa peur qu'il perde la raison. [43] Goya a écrit que les œuvres servaient « à occuper mon imagination, tourmentée comme elle l'est par la contemplation de mes souffrances ». La série, a-t-il dit, consistait en des images qui "ne trouvent normalement pas leur place dans les œuvres commandées".

Bien que Goya n'ait pas fait connaître son intention lors de la création Les désastres de la guerre, les historiens de l'art les considèrent comme une protestation visuelle contre la violence du soulèvement de Dos de Mayo de 1808, la guerre d'Espagne qui a suivi et le mouvement contre le libéralisme à la suite de la restauration de la monarchie des Bourbons en 1814. Les scènes sont singulièrement dérangeantes, parfois macabres dans leur représentation de l'horreur du champ de bataille, et représentent une conscience indignée face à la mort et à la destruction. [44] Ils n'ont été publiés qu'en 1863, 35 ans après sa mort. Il est probable que ce n'est qu'alors qu'il a été considéré comme politiquement sûr de distribuer une séquence d'œuvres d'art critiquant à la fois les Bourbons français et restaurés. [45]

Les 47 premières planches de la série se concentrent sur les incidents de la guerre et montrent les conséquences du conflit sur les soldats et les civils. La série du milieu (planches 48 à 64) enregistre les effets de la famine qui a frappé Madrid en 1811-1812, avant que la ville ne soit libérée des Français. Les 17 derniers reflètent l'amère déception des libéraux lorsque la monarchie des Bourbons restaurée, encouragée par la hiérarchie catholique, a rejeté la Constitution espagnole de 1812 et s'est opposée à la fois à la réforme de l'État et à la réforme religieuse. Depuis leur première publication, les scènes d'atrocités, de famine, de dégradation et d'humiliation de Goya ont été décrites comme la "prodigieuse floraison de la rage". [46]

Le 3 mai 1808, 1814. Huile sur toile, 266 cm × 345 cm (105 po × 136 po). Musée du Prado, Madrid


Voir la vidéo: Au cœur de lhistoire: Francisco de Goya Franck Ferrand (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Tab

    Spécialement inscrit au forum pour vous en dire beaucoup pour votre soutien, comment puis-je vous remercier ?

  2. Josue

    À mon avis. Ils ont tort.

  3. Strong

    Oui, répondez en temps opportun, c'est important

  4. Akimi

    Un ami a donné un lien, je ne lis souvent pas quelque chose comme ça, mais je ne l'ai pas regretté ici!

  5. Gurn

    Grand message))



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